Музей Орсе. – Alexandra Uryasova

Краткая история музея
Музей д’Орсе был первоначально построен Виктором Лалу как железнодорожная станция для посетителей Всемирной выставки 1900 года. План Лалу «украсил» внешний вид станции, покрыв ее белым известняком, чтобы соответствовать престижному району и близлежащему Луврскому дворцу. Однако по мере развития технологий платформы станции больше не могли принимать более крупные современные электропоезда, что впоследствии привело к закрытию станции в 1939 году. В 1970-х годах началось движение за восстановление и сохранение великолепного здания, объявив его историческим памятником 1978 год.

Нынешний музей был открыт в 1986 году. Основная часть музея имеет черты железнодорожного вокзала, что, на мой взгляд, делает его уникальным и создает особую атмосферу. Но в здании есть и модернизированный выставочный зал.

В музее д’Орсе находится одна из самых незабываемых коллекций произведений искусства конца 19-го и начала 20-го веков. Одной из самых запоминающихся картин коллекции является «Олимпия» Эдуара Мане. Эту картину художник создал в 1863 году и выставил на Салоне 1865 года, где она стала одной из самых скандальных работ. Главная провокация сюжета кроется не столько в обнаженной натуры дамы ночи, сколько в том, что зритель, стоящий перед Олимпией, чувствует себя ее клиентом. Ощутить это помогает множество деталей, от выжидательной позы и взгляда девушки до вставшей на дыбы кошки, якобы напуганной вами.
Для того времени это был невероятно смелый поступок — обнажить ту часть жизни, которую не принято освещать в искусстве. На мой взгляд, именно творчество, выходящее за рамки правил приличия высшего света, заслуживает особого внимания, поскольку ломает шаблоны. Это очень помогает развитию мирового искусства, ведь такие экспонаты расширяют границы проникновения искусства и помогают начать показывать все стороны общественной жизни.
Но причиной скандала стал не только сюжет картины, но и манера письма. В то время Мане был вдохновлен японским искусством, поэтому он отказался рисовать тонкие сочетания света и тьмы, к которым стремились другие художники. Современники не оценили «Олимпию» и назвали картину грубым и плоским полотном. Было так много

сложилось мнение, что картина уцелела только благодаря мерам предосторожности, проверенным администрацией выставки и двумя приставленными к ней охранниками.
После провального дебюта эта картина была спрятана в недоступных мастерских художника и вновь появилась только на выставке 1889 года в честь столетия Французской революции, где друзья Мане покупают картину у вдовы за собранные по подписке 20 000 франков и дарят это государству. Картина долгое время хранилась в запасниках Люксембургского дворца и в 1907 году была вывешена в Лувре, не привлекая внимания. После этого, в 1947 году, «Олимпия» заняла почетное место в Музее импрессионизма.

В Музее д’Орсе есть еще одна очень интересная картина Эдуара Мане – «Портрет Эмиля Золя» 1868 года. Этот портрет написан в благодарность за поддержку и защиту от критики новых работ Мане в статьях друга. Идея нарисовать черно-белую копию его последней картины в правом верхнем углу новой показалась мне очень забавной и оригинальной. Картины, которые больше всего впечатлили меня в музее Орсе, — это «Ореады» Вильяма-Адольфа Бугро. Из-за своих размеров он выглядит очень величественно, а мастерство живописи автора позволяет проникнуться волшебством сюжета и представить его в деталях реальным. Отлично прописаны фигуры и обстановка выглядит настолько живо, что посетителям полностью передается атмосфера загадочной сцены. Мифические мотивы картин меня всегда завораживали, благодаря этому Бугро стал одним из самых любимых моих художников. Работа была написана в 1902 году и передана в дар в 2009 году потомками художника и сейчас выставлена в Музее Орсе. Ореады — картина мифологическая, в коллекции произведений художника часто встречаются подобные сказочные мотивы, и это одно из самых известных произведений Бугро. На картине много обнаженных нимф, что характерно для многих работ Бугро. Он написан в неоклассическом стиле с изображением мифологических римских и греческих нимф и сатиров. В греческой мифологии этих существ возглавляет греческая лунная богиня охоты по имени Артемида, одно из самых почитаемых древнегреческих божеств. Что касается художника, то это французский живописец, видный представитель салонного академизма XIX века. Исследователи причисляют его творчество к так называемому «романтическому реализму», так как, следуя приемам романтизма, он предпочитал писать с натуры и с фотографической точностью воспроизводил облик своих моделей.

Коллекция Морозова, Фонд Louis Vuitton.

Иван Абрамович Морозов (27 ноября 1871 — 21 июля 1921) — российский предприниматель. Он был представителем знатного рода, а его род имел древнюю историю. Он был средним ребенком в семье, два его брата также внесли небольшой вклад в коллекцию, которая после революции 1917 года стала принадлежать государству и распределялась по частям по разным музеям страны.

В коллекции Морозова представлено множество шедевров живописи самых разных мастеров от талантливых мастеров, не вошедших в историю, до тех, чьи имена известны во всех уголках мира. Самыми запоминающимися для меня картинами стали три картины Матисса в голубых тонах — «Марокканский триптих». Организаторы выставки очень грамотно выставили эти три картины таким образом, что они прекрасно поддерживают и дополняют друг друга, создавая целостную атмосферу, и при этом недостаточно близки, чтобы нарушать гармонию и не спорить друг с другом. Также хочется отметить, как чудесно выставлено естественное освещение для этой композиции: Окна были по бокам с обеих сторон картин и падающий свет воссоздавал атмосферу с полотен. Теплые лучи марокканского солнца падали не только на картины, но и в зал.

Путешествие Матисса в Марокко длилось в 1912-1913 годах. Это помогло художнику внести большое разнообразие в используемые им цвета в картинах. Весь триптих был написан во время поездки и состоял из картин «Пейзаж из окна. Танжер», «Зора на террасе» и «Ворота Касбы». В отличие от его ранних картин, где интерес к восточному искусству проявился в формы, заимствованные из арабского прикладного искусства, в этом триптихе Матисс передает атмосферу томной, почти мечтательной, но будничной.«Пейзаж из окна. Танжер», «Зора на террасе», «Ворота Касбы».Эти картины ассоциируются у меня с тремя частями суток “утро”, “день” и “вечер”. Утро, еще не согревающий, но яркий падающий луч солнца и прохладные тени сложного голубого оттенка интерьера Зоры – для меня значит утро. Уже теплый свет на арке и яркая радостная дорога в город – «день».Темно-томный синий лид на третьей картинке, на мой взгляд, прекрасно показывает плавно начинающийся холодать город после жаркого дня-«вечер». Еще одно полотно, достойное отдельного внимания, — картина известного русского художника Михаила Врубеля «Сирень» 1901 года. “Сирень” – одна из самых тонких и нежных картин, когда-либо написанных Врубелем. И этот пейзаж, с выступающими очертаниями деревьев на заднем плане и кустом сирени под луной впереди, подобен сну. Или то, что мы видим перед тем, как проснуться, между сном и реальностью. «Сирень» — один из нескольких живописных «ноктюрнов» Врубеля. Она должна была войти в серию его произведений, созданных по мотивам русских сказок, произведений, посвященных ночным чудесам и превращениям. Благодаря тому, что автор не успел завершить картину, каждому зрителю предоставляется уникальная возможность обмануть ее в своем воображении и предать ей собственный смысл. Но, по замыслу Врубеля, в фильме должны были смешаться два сюжета — древнеславянская легенда о Сиринге и сюжет классического произведения Пушкина «Евгений Онегин». Отснятый момент сочетает в себе уход Татьяны из сада, где отверг ее любовь любимый Евгений Онегин, и все мифическое вокруг создает аллегорию на легенду о Сиринге. В русском языке от слова «сирень» образовано «сиринга» — имя нимфы, преследуемой Паном (древним богом скотоводства) и превратившейся в тростник, из которого Пан построил флейту. «Сирень» и «Пан» связаны единством мифологического сюжета. Идущая на картине девушка должна была более подробно передать печать судеб двух героинь.

В коллекции Морозова много портретов членов семьи. Одним из них является портрет Марии Федоровны Морозовой 1897 года работы Валентина Серова. Мария Федоровна была женой Тимофея Морозова и матерью Саввы Морозова, вошедшего в историю как известный меценат. Это была женщина с сильным характером. Предпринимательской деятельностью занялась в 1871 г., при создании семейной мануфактурной фирмы была включена в число учредителей наравне с мужем и стала получать такой же процент от прибыли. В России 19 века для женщины она фактически добилась невозможного. Также, несмотря на скупость мужа, она активно занималась благотворительностью, а позже привила это и сыну. Художник Валентин Серов — один из лучших портретистов своего времени. Лично меня восхищают его нежные переливы цветов на лицах и коже людей, словно в легкой дымке и яркие, но не резкие, признаки контрастов (как, например, яркое черное платье на Морозовой притягивает взгляд, а сложный бежево-серый фон поддерживает и одновременно смягчает полученный незабываемый эффект). Талант к рисованию открылся у Валентина после смерти отца в 1871 году, когда ему было 6 лет. Два года спустя он начал учиться рисованию у своего губернатора Карла Кёпинга. В более старшем возрасте Серов поступил в Императорскую Академию художеств, а позже стал ходить на курсы акварели к известному художнику Репину.